Номинанты на Премию Future Generation Art Prize 2012

Йонатас де Андраде, Бразилия

Йонатас де Андраде родился в 1982 г. в Масейо, живет и работает в Ресифе, Бразилия. Работы де Андраде были представлены на важных групповых выставках, среди которых 29-я Биеннале в Сан-Паулу (2010), 10-я Биеннале в Шардже, ОАЭ (2011), 12-я Стамбульская биеннале (2011) и выставка «Неподконтрольные» (The Ungovernables), Триеннале в New Museum, Нью-Йорк (2012).

Йонатас де Андраде средствами реконструкции в различных формах документирования и архивирования исследует системы, приходящие в состояние упадка, и идеологии, теряющие влияние. Отталкиваясь от этого, он создает концептуальные инсталляции, рефлексирующие над формами культурной амнезии - социальными, политическими, культурными и идеологическими вопросами. Эти формы стираются из коллективной памяти. Сейчас ключевым объектом внимания де Андраде является исчезающий «тропический модернизм», архитектурное воплощение обанкротившейся системы, целью которой было становление социального равенства.

Для PinchukArtCentre де Андраде создал новую работу, основанную на его исследовании тропического модернизма. Для создания концептуальной инсталляции он взял отделанную плиткой разрушенную стену типично модернистского дома. Она говорит о забытых идеологиях и ставит вопрос, является ли эта стена оригинальным модернистским произведением или копией того периода, выполненной по моделям позднего времени.

Мерис Анжиолетти, Италия

Мерис Анжиолетти родилась в 1977 г. в Бергамо, Италия. Живет в Париже и Милане. Анжиолетти училась изобразительному искусству в Академии изобразительного искусства Брера в Милане. Она получила Premio New York / ISCP Residency (2009-2010) и DRAC Aide Individuelle à la creation (2011). В 2011 г. состоялась персональная выставка Анжиолетти в Galleria Arte Moderna в Турине и в La Galerie, Нуази-ле-Сек. Также ее работы были представлены на групповых выставках, в частности на 54-й Венецианской биеннале в 2011 г. и 30-й Биеннале в Сан-Паулу в 2012 г.

В основе творчества Мерис Анжиолетти лежит то, что она сама называет «ситуативной парадигмой». Эта идея помогла ей создать поисковую систему для изучения следов присутствия. Ее видео и проекции находятся на грани искусства и науки. Они исследуют возможности восприятия зрителя, памяти и подсознательного, а также взаимодействие физического и ментального пространства. Анжиолетти экспериментирует с теорией расширенного кинематографа; исследует, как влияют монтаж и цвет на нарративность образов, тех прочтений, которые они предлагают, а также ассоциации, которые они несут. Поэтому язык является основополагающим элементом для многих ее работ.

В основу ее новой инсталляции, созданной для PinchukArtCentre, заложена проекция, в которой она собирает различные медийные аспекты своего поиска, включая нарратив, монтаж, свет и язык.

Марва Арсаніос, Ливан

Марва Арсаниос родилась в 1978 г. в США. Живет и работает в Бейруте, Ливан. Арсаниос получила степень магистра изящных искусств в University of the Arts в 2007 г. и сейчас является исследователем факультета изобразительного искусства в Jan van Eyck Academie, Маастрихт. Она получила гранты для художественной стажировки в Arab Image Foundation, Бейрут, в 2009 г., и для исследовательской стажировки в Tokyo Wonder Site в 2010 г. Принимала участие в многочисленных групповых выставках, включая «Ни души на продажу» (No Soul for Sale ), Tate Modern, Лондон (2010), 12-й Стамбульской биеннале (2011) и Ливерпульский биеннале (2012).

Через стратегию коллекционирования и архивирования Марва Арсаниос рассматривает отпечатки истории, касающиеся модернизации арабских стран в 1960-х. Она фокусируется на городском планировании Бейрута, столицы Ливана, где она переосмысливает здания, печатные издания и события в процессе изучения и апроприации. Находясь на грани между реальностью и вымыслом, работа предстает в виде серии архивных инсталляций, текстов, фильмов и перформансов, исследующих современные политико-социальные вопросы Среднего Востока с исторической перспективы.

Для PinchukArtCentre Арсаниос продолжает свое длительное исследование «Al Hilal», журнала «левых взглядов», который был очень популярным в арабском мире в 1960-е, и в котором публиковались радикальные политические тексты. Несмотря на его большую распространенность, идеи журнала никогда не приводили к конкретным действиям. Арсаниос представляет свой собственный журнал «Al Hilal» в динамической перформативной инсталляции, фокусируясь на комплексном процессе сбора информации, апроприации, переинтерпретации и прочтения.

Миколь Ассаэль, Италия

Миколь Ассаель родилась в 1979 г. в Риме, Италия. Живет и работает в Греции и Риме. Ее персональные выставки проходили в Kunsthalle Basel (2007) и в Palais de Tokyo, Париж (2009). Среди групповых выставок: 28-я Биеннале в Сан-Паулу, «... 5 минутами позже» (... 5 Minutes Later), KW Institute for Contemporary Art, Берлин; и «Italics», Palazzo Grassi, Венеция (все 2008).

Скульптурные работы Миколь Ассаэль появляются из природных феноменов, на которые обычно обращают внимание лишь случайно. Эти феномены функционируют согласно невидимым законам и принципам, которые Ассаэль пытается реконструировать в своем исследовании с помощью ученых и технологов. Готовая скульптура - это почти технологический объект или инсталляция, которая делает невидимое «ощутимым». Ее творчество вовлекает непосредственно зрителя, который завершает работу, воспринимая невидимое.

PinchukArtCentre представляет новое видео Ассаэль, свидетельствующее о новом направлении ее творчества. Перформативная функция зрителя, как и процесс исследования, необходимые для раскрытия невидимых принципов и законов вне физически обозримого мира, все равно продолжают играть ключевую роль в ее работе.

Эбигейл Девилль, США

Эбигейл Девилль родилась в 1981 г. в Нью-Йорке, США. Получила степень бакалавра изобразительного искусства в Институте моды и технологий. Училась в Skowhegan School of Painting & Sculpture, при поддержке Camille Hanks Cosby Fellowship Award. В 2010 г. проходила стажировку в Recess Activities Inc. в Нью-Йорке, Marginal Utility в Филадельфии и Bronx River Art Center, Нью-Йорк. В 2011 г. Эбигейл Девилль получила степень магистра изобразительного искусства по живописи в Йельский школе искусств (Yale School of Art). Ее работа была отобрана для групповой выставки «Неподконтрольные» (The Ungovernables), Триеннале в New Museum, Нью-Йорк (2012).

Эбигейл Девиль создает археологические конструкции, наполненные культурными и историческими аллюзиями. Ее темные скульптурные инсталляции, погруженные в «разрушение» и «упадок», являются рефлексией на тему социальных репрессий, расовой идентичности и дискриминации в разрушительном пространстве большого города. Строительные отходы и мусор с улицы она объединяет с объектами и вещами, оставшимися от предыдущих поколений, создавая из них черные дыры и завихрения, которые функционируют как метафоры искаженного времени. На внешних границах этого сконструированного упадка, или внутри круговоротов, зритель встречает потерянных индивидов – гротескные пародии на то, как чернокожих когда-то воспринимали в Америке.

Для PinchukArtCentre Девилль создала новую инсталляцию (круговорот, представляющий уличную жизнь) по мотивам известной работы Класа Олденбурга «Улица», которая была представлена в 1960 г. В Judson Gallery (Нью-Йорк).

Орельен Фроман, Франция

Орельен Фроман родился в 1976 г. в Анжере, Франция. Живет и работает в Дублине и Париже. Фроман закончил Manchester Metropolitan University в 1999 г. и Ecole Regionale des Beaux Arts, Нант, в 2000 г. Работал 10 лет киномехаником, пока не стал художником. Работы Орельен Фромана были представлены на многочисленных персональных и групповых выставках в Palais de Tokyo, Париж (2008), Kunsthalle Basel (2008), Биеннале в Кванджу (2010) и Лионской биеннале (2011).

Творческий процесс Орельен Фромана начинается с одного объекта, который служит моделью в определенный момент своего существования для того, чтобы художник реконструировал историю этого объекта средствами языка. Процесс реконструкции не линеарный, вместо этого Фроман создает сеть ассоциаций и сопоставлений, которые анализируют археологию объекта, раскрывая его траекторию во времени и пространстве. Язык, который подбирает Фроман, его структура и звучание, создают напряжение между изображением, которая перерастает во взаимодействие смыслов и связей, наделяя изображение бесконечным количеством интерпретаций.

Для PinchukArtCentre Фроман создал новую работу, 3-канальное видео, объединяющее три отдельных фильма, радикализировав таким образом сложность, ассоциативность и множественность интерпретаций, заложенных в каждой отдельной работе.

Никита Кадан, Украина

Никита Кадан родился в 1982 г. в Киеве, Украина, где сейчас живет и работает. 2007 г. закончил Национальную академию искусств и архитектуры в Киеве. Художник, график, автор объектов и инсталляций. Был номинантом Премии PinchukArtCentre в 2009 г., в 2011 г. получил Первую премию. Его работы были представлены в Украине и за рубежом, включая Index Contemporary Art Centre, Стокгольм (2008), Первую Киевскую международную биеннале современного искусства «ARSЕNALE» в Художественном Арсенале и Киевскую городскую галерею искусств «Лавра» (обе 2012).
Никита Кадан объединяет интеллектуальную рефлексию с постоянной социальной активностью, используя свою художественную практику для участия в социополитических дискуссиях в Украине. Понимая исторический контекст, Кадан фокусирует свой художественный поиск на изменениях Киева как города, который находится в постоянных трансформациях. При этом город теряет свои исторические корни, а общественное пространство коммерциализируется. Чаще всего он работает в живописи и скульптуре, используя абстракцию и моделирование как художественные стратегии, которые отсылают к российским авангардных движений начала ХХ века.

Для PinchukArtCentre Кадан создал памятник рабочему, который является размышлением об изменении социальной роли рабочего в новой капиталистической среде Украины. С другой стороны, эта инсталляция открывает критический дискурс о фиктивной героической позиции, которую рабочие занимали в советском прошлом.

Меиро Коидзуми, Япония

Меиро Коидзуми родился в 1976 г. в Гунме, Япония. Живет и работает в Иокогаме. Учился в International Christian University, Токио, и в Chelsea College of Art and Design, Лондон, а также в Rijksakademie van beeldende Kunsten, Амстердам. Получил Первую премию Beck's Futures student's film and video award, Лондон,
2001 г. Работы Коидзуми были представлены на многочисленных групповых выставках, включая «Новые современники» (New Contemporaries), Barbican Centre, Лондон (2002), «Летний художественный университет» (Art Summer University), Tate Modern, Лондон (2007), и на Ливерпульской биеннале (2010). В 2009 г. состоялась его персональная выставка в Mori Art Museum, Токио.

В своих фильмах Меиро Коидзуми исследует психологические коллизии, сопровождающие концепт индивидуальной вины, который, как правило, определяется социальными структурами и поведенческими моделями. Его фильмы корнями глубоко уходят в японскую социальную и культурную традицию. Во время съемок Коидзуми стремится ухватить выразительные эмоции. В результате этого иногда получаются почти мелодраматические фильмы, которые балансируют на грани между вымыслом, перформансом и документальностью. На более глубоком уровне Коидзуми прорывается сквозь традиционные модели коммуникации, раскрывая ограниченность их форм.

Для PinchukArtCentre Коидзуми выбрал сочетание трех работ, включая новое видео. Все три имеют общую тему самопожертвования во имя своего народа. Коидзуми показывает стоические поведенческие модели, которые зритель ожидает увидеть в этом контексте, и идет дальше, ища личные эмоций, черного юмора и чувство вины.

Андре Комацу, Бразилия

Андре Комацу родился в 1978 г. в Сан-Паулу, Бразилия. Живет и работает в Сан-Паулу. Получил степень бакалавра изобразительного искусства в Fundacao Armando Alvares Penteado в 2002 г. В 2009 участвовал в международной программе стажировки в Bronx Museum в Нью-Йорке. Работы Комацу были представлены на многочисленных групповых выставках, включая «Ponto de Equilíbrio», Instituto Tomie Ohtake, Сан-Паулу (2010) и «перипатетиков» (The Peripatetic School), Drawing Room, Лондон (2011).

Дуализм власти и ее свержение является неотъемлемой частью художественной стратегии Андре Комацу. Его инсталляции одновременно разрушительны и поэтичны. Они начинаются с повседневного созерцания городского контекста. Комацу реконструирует свои наблюдения в визуально изысканной манере - средствами смелой стратегической интервенции, иронически уничтожая саму трансформированную конструкцию. Реконструкции являются рефлексией относительно властных структур, построенных на порядке и силе, и которые будут «разрушены» деталями своей собственной трансформации.

Для PinchukArtCentre Комацу создал две новые инсталляции. «Anamorfose systematica» и «Systemas Valores» (обе 2012) предлагают абстракции принятых в обществе систем ценностей, которые потеряли свою важность, но они все равно заметны в определенных политических, экономических и социальных контекстах.

Ева Котаткова, Чехия

Ева Котаткова родилась в 1982 г. в Праге, Чехия. С 2002 по 2008 училась в Academy of Fine Arts and the Academy of Applied Arts в Праге, в San Francisco Art Instituteта в Akademie der Bildenden Kunste в Вене. С 2009 г. она работает над докторским исследованием в Академии прикладных искусств в Праге. В
2007 г. она получила Премию И. Халупецкого для молодых художников и Премию И. Хлавкы. Среди ее важнейших групповых выставок - Ливерпульская биеннале 2010 г. и 18-я Сиднейская биеннале 2012 года.

Художественная практика Евы Котатковой включает широкий арсенал техник - от работ на бумаге до социальных интервенций, перформансов и скульптур. В этих разнообразных техниках Котаткова рассуждает над социальными правилами, ожиданиями и стратегиями пропаганды, которые накладывают ограничения на личность. Ее интерес к социальному контролю общества и манипуляциям выражаются посредством архива апроприированных объектов и историй, и подводит к процессу деконструкции и реконструкции. Котаткова создает комплексные инсталляции, в которых каждая история или объект получают новое значение, чтобы отобразить скрытую «травму».

Новая инсталляция Котатковой для PinchukArtCentre может рассматриваться как театр объектов. Каждая из одиннадцати скульптур содержит одну личную историю об исключении из общества и изоляции. Анонимность скульптурных объектов превращает эти истории в абстракции, рефлексирующие по поводу поражения общественных систем и социальных структур.

Тала Мадани, Иран

Тала Мадани родилась в 1981 г. в Тегеране, Иран. Живет и работает в Нью-Йорке и Амстердаме. В 2003 г. Мадани получила степень бакалавра визуальных искусств в Oregon State University. В 2006 г. она получила степень магистра живописи в Yale University School of Art и стипендию по визуальному искусству в Fine Arts Work Centre, Провинстаун. Работы Мадани были широко представлены на важных групповых выставках, в частности на 6-й Ливерпульской биеннале и в PS1 Contemporary Art Centre, Нью-Йорк, в 2010 г. В феврале 2013 г. в Moderna Museet, Мальмё, состоится ее персональная выставка.

В основном на своих картинах Тала Мадани изображает мужчин со Среднего Востока, изображающие гомоэротические сексуальные отношения, пытки и унижения. Полные юмора и иронии, ее картины отваживаются на конфронтационный дискурс в системе культуры. Мадани сама называет это увлеченностью феноменом мужчины. Стиль ее живописи брутален, с насыщенными цветами и только с самыми необходимыми формами. Ее масштабные работы создают ощущение пространственности внутри абстракции, рефлексируя над «массовом поведении». Работы меньшего формата фокусируются на «частном поведении» и их проще прочитывать как маленькие истории.

Для PinchukArtCentre Мадани создала три крупноформатных полотна, объединив их с серией анимационных фильмов, в которых оживают темы ее картин.

Басим Магди, Египет

Басим Магди родился в 1977 году в г. Асьют, Египет. Живет и работает в Каире. Магди учился в 1996-2000 гг на факультете изобразительного искусства в Helwan University, Каир. Его работы были представлены на многих международных групповых выставках, среди которых «Однажды мы будем сиять, как звезды» (One Day We Will Shine like the Stars), Kunsthalle Wien, и «Recontres Internationales», Centre Pompidou, Париж (обе 2011) , «La Triennale», Palais de Tokyo, Париж, и «Transmediale», Haus der Kulturen der Welt, Берлин (обе 2012).

Творчество Басима Махди разнообразно, диапазон его работ охватывает живопись, видео и фотографию. Его произведения балансируют между вымыслом и реальностью, благодаря манипуляционным восприятием образов или разрушению логического нарратива. Магди задействует абсурд и юмор как ведущие художественные стратегии для создания критического дискурса на тему того, как информационные системы используются для воздействия на людей или для пропаганды.

Для PinchukArtCentre Магди создал проект, разработанный специально для окна арт-центра, выходящего на улицу. Проект говорит о функционировании и идентичности этого публично-частного пространства. Эта работа сочетается с группой произведений «с каждым малейшим движением», в которой Магди объединяет серию изображений и абстрактных высказываний, исследующих идею прочтения и ассоциативного мышления посредством создания вымышленных нарративов.

Ахмет Огют, Турция

Ахмет Огют родился в 1981 году в г. Диярбакыр, Турция. Живет и работает в Амстердаме и Стамбуле. Огют получил образование по специальности «живопись» на факультете изобразительного искусства в Hacettepe University, Анкара, в 2003 г. получил степень магистра на факультете искусства и дизайна в Yildiz Technical University в 2006 г. В 2010 Огют получил Kunstpreis Europas Zukunft от Galerie fur Zeitgenossische Kunst в Лейпциге. Его работы были представлены на 5-й Берлинской биеннале современного искусства (2008), 53-й Венецианской биеннале (2009) и 12-й Стамбульской биеннале, а также 4-й Московской биеннале (2011).

В своих рисунках, инсталляциях, перформансах и фильмах Ахмет Огют рассуждает о движениях, конфликтах и инновациях в глобальном экономическом и геополитическом пространстве. Огют всегда отталкивается, или ссылается на свой ​​собственный, четко определенный контекст турецко-курдского художника. Он исследует основные принципы времени, расстояния, скорости и использует юмор и иронию как ключевые художественные стратегии в своем политико-культурном критическом дискурсе.

Для PinchukArtCentre Огют создал новую работу, которая не только рассуждает о, но и участвует в идеи «открытого ресурса». Этот принцип означает, что все исследования и инновации принадлежат всем и могут быть использованы каждым как своего рода стратегия, в противовес персональному копирайту и патентам. Огют исследует, как такая сеть могла бы существовать вне цифрового пространства.

Амалия Пика, Аргентина

Амалия Пика родилась в 1978 году в г. Неукен (Патагония), Аргентина. Живет и работает в Патагонии и Лондоне. Пика получила степень бакалавра в Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón, Буэнос-Айрес, и переехала в Нидерланды в 2004 г., где она прошла двухлетнюю стажировку в Rijksakademie van beeldende Kunsten, Амстердам. Недавно ее персональные выставки прошли в Malmo Konsthall (2010) и Chisenhale Gallery, Лондон (2012). Ее работы были представлены на многих групповых выставках, в частности Stedelijk Museum, Амстердам (2007); Hayward Gallery, Лондон (2010); 54-й Венецианской биеннале и в Kunsthalle, Вена (2011).

Творчество Амалии Пики - это поэтическое визуальное воплощение социальных и политических систем, которые она превращает в концептуальные скульптуры, инсталляции или работы на бумаге. Многие ее работ напоминают несбывшиеся перформансы, рефлексируюие над концептами присутствия и отсутствия, появления и исчезновения. На своих выставках Пика снова и снова стратегически комбинирует различные работы, создавая едва ощутимую атмосферу беспокойства, в которой каждый фрагмент влияет на другой. Таким образом, Пика вовлекает зрителя, движение которого играет важную роль в становлении смысла работы.

Для PinchukArtCentre Пика создала инсталляцию, объединяющую ее новую скульптуру «Конструкция радара» с двумя специально созданными работами. Идея перформативности является ключевой для инсталляции, как с концептуальной точки зрения, так и учитывая роль, отведенную зрителю.

Агнешка Польска, Польша

Агнешка Польска родилась в 1985 г. в Люблине, Польша. Живет и работает в Берлине и Кракове. Польский закончила Academy of Fine Arts в Кракове и Universität der Künste, Берлин. Сначала ее работы были представлены в Кракове в 2007 г. Позже она участвовала в групповых выставках в KW Institute for Contemporary Art, Берлин, в 2010 г., 2011 г., а также в Tate Modern, London, в 2012 г. Польска получила Гран-при Geppert Award 2011 за видео «Как выполнена работа».

Особый визуальный язык фильмов Агнешки Польской исходит из техники анимации. Некоторые образы буквально заимствованы или вдохновлены художественно-исторической традицией, в других случаях - отснятое изображение трансформируется средствами анимации. Польска комбинирует этот визуальный стиль с исследованием возможностей нарратива, часто фокусируясь на фигуре художника, как авторефлексии или дани забытым художникам польского авангарда. В то же время творчество Польской - это размышления о социально-общественном контексте, появляющемся из персонализированных историй.

Для PinchukArtCentre Агнешка Польска создала новую многоканальную видео-инсталляцию, балансирующую между скульптурным компонентом инсталляции и визуальной мощностью ее киноязыка.
Эмили Ройсдон, США

Эмили Ройсдон родилась в 1977 году в г. Истон (Мэриленд), США. Живет и работает в Нью-Йорке и Стокгольме. Ройсдон закончила Независимую учебную программу Музея Whitney в 2001 г. и получила степень магистра изящных искусств в University of California, Лос-Анджелес, в 2006 г. Она получала гранты от Art Matters (2008), Franklin Furnace (2009) и Rhema Hort Mann Foundation (2010). В течение шести месяцев в 2008 г. она была резидентом International Artists Studio Programme в Стокгольме, Швеция. Работы Ройсдон были представлены на международном уровне в New Museum, Нью-Йорк (2009); Konsthall C, Стокгольм (2010); Tate Modern, Лондон, и в Institute of Contemporary Arts, Лондон (2012).

Творчество Эмили Ройсдон не ограничивается только визуальным искусством. Она также пишет тексты, занимается кураторской и организационной деятельностью. В своем эссе/манифесте «Экстатическое сопротивление» (2009 г.) она сравнила такую​​разностороннюю деятельность с попыткой одновременно усидеть на нескольких стульях. Ройсдон увлечена идеей «движений» в физическом, интеллектуальном и философском измерениях. Ее собственные работы включают также и политический аспект. Ее творчество можно охарактеризовать как творчество на пересечении фотографии, перформанса и хореографии.

Для PinchukArtCentre Ройсдон создала новую инсталляцию, сочетание фотографии, звука и видео. Работа начинается с хореографии, исследующей то, как единственное движение может саморазвиваться, и как пространство, в котором происходит движение, определяет трактование работы.

Райане Табет, Ливан

Райане Табет родился в 1983 г. в г. Ашкути, Ливан. Получил степень бакалавра архитектуры в Cooper Union и степень магистра изобразительного искусства в University of California, Сан-Диего. Его работы были включены в «Искусство сегодня в Ливане» (Art Now in Lebanon), Darat al Funun, Амман, Иордания (2008) и в книгу «Младше Иисуса: справочник о художниках?» (Younger than Jesus: The Artist Directory) издательства Phaidon Press (2009), а также в «Сюжет для биеннале» (Plot for a Biennial) десятый биеннале в Шарджа, ОАЭ (2011) и «неподконтрольных» (The Ungovernables), Триеннале в Новом музее, Нью-Йорк (2012) .

Творчество Райане Табета начинается с личных объектов, предлагающих поразмышлять о социальном и историческом контексте жизни в Ливане. Художник раскрывает скрытую историю этих объектов, заново создавая и трансформируя их. Он абстрагируется от личного опыта - таким образом, заложенная в основу объекта личностная память сливается с памятью социума. Это напоминает процессы изменений, которые переживает ливанское общество.

Опираясь на свои детские воспоминания, Табет создал новую инсталляцию для PinchukArtCentre, состоящую из поля, сформированного четырьмя тысячами деревянных игрушчных блоков, залитых в бетон. Работа питается поэтическим напряжением между хрупкостью строительных блоков и мощью, надежностью материала. Множественность этого игрушечного набора ссылается на личную память. С одной стороны, речь идет о конструировании вечной руины, с другой - о затвердевании воображения, подобного детскому.

Ян Ксин, Китай

Ян Ксин родился в 1986 г. в Чунцине, Китай. Там он закончил Sichuan Fine Arts Institute в 2009 г., получив степень бакалавра.
Живет и работает в Пекине. Ян Ксин учувствовал в многочисленных групповых выставках, включая выставки в Contemporary Arts Museum Houston, Хьюстон (2012), Today Art Museum, Пекин (2012), Национальная галерея Индонезии, Джакарта (2011), Китайский центр искусств, Манчестер (2010). Он также был представлен на Московской международной биеннале Moscow International Biennale for Young Art (2012), на биеннале скульптуры в Шэньжене, Китай (2012). В 2012 году он стал финалистом проекта “Focus on Talents”, организованном музеем Today Art Museum и фондом Martell Art Fund.

Овладев традиционной живописью, Ян Ксин сосредоточился на перформативном искусстве. В своих перформансах он сочетает чисто визуальную эстетику с талантом блестящего рассказчика. Он переплетает личностный рассказ с отголосками западной истории искусства, а также использует ассоциации между китайской художественной традицией и индивидуальной травмой для построения своих историй. Ключевыми темами его творчества является его открытая гомосексуальность и идея вуайеризма.

Для PinchukArtCentre Ян Ксин создал новую работу, связанную с модернизмом, Ричардом Гамильтоном, Эрнестом Хемингуэем и традиционной китайской песней. Этот перформанс имеет многоуровневую структуру и основывается на символизме и теме вуайеризма, пронизывающей его творчество.

Линетт Ядом-Боакье, Великобритания

Линетт Ядом-Боакье родилась в 1977 г. в Лондоне, Великобритания. Живет и работает в Лондоне. Ядом-Боакье училась в Central Saint Martins College of Art and Design, Falmouth Collegeта в Royal Academy Schools. Она принимала участие в многочисленных групповых выставках, среди которых 7-я Биеннале в Кванджу (2008), «Тайные сообщества» (Secret Societies), Schirn Kunsthalle, Франкфурт-на-Майне; 11-я Лионская биеннале (все 2011), и «Неподконтрольные» (The Ungovernables), Триеннале в New Museum, Нью-Йорк (2012). В 2012 г. Линетт также провела персональную выставку в Chisenhale Gallery, Лондон.

Создания портретов чернокожих людей для Линетт Ядом-Боакье - это нечто вполне естественное, что призвано нести политический смысл. Ее герои - всегда либо вымышленные, либо анонимно-неизвестные - появляются в процессе создания картины. Обычно, на ее новый рисунок уходит не более одного дня. Как объясняет этот процесс сама Ядом-Боакье - «это своеобразная насущность и фиксация этих временных рамок». Большинство ее произведений формируют группы, что тоже важно в их презентации. Меняющиеся комбинации картин создают незавершенный художницей нарратив, который, таким образом, приобретает законченность благодаря воображению зрителя.

Для PinchukArtCentre Ядом-Боакье специально создала новую серию картин.

Жуан Марие Гусман + Педро Паива, Португалия

Жуан Марие Гусман и Педро Паива - оба родились в Лиссабоне, Португалия, где сейчас живут и работают. Работают вместе с 2001 г. Персональные выставки были представлены в Kunstverein Hanover, Португальском павильоне на 53-й Венецианской биеннале (обе 2009) и в Kunsthalle Dusseldorf (2011). Гусман и Паива также принимали участие в важных групповых выставках, как, например, 27-я Биеннале в Сан-Паулу (2006) и в Европейской биеннале современного искусства, Роверето (2008).

Жуан Мария Гусман + Педро Паива работающие между двумя противоположными полюсами: это новейшие научные технологии и возрождение мистицизма. Они вдохновляются текстами Рене Домаля, основателя вымышленной науки «абиссологии» (Abissology, от “abyss” - бездна ), фокусируюущейся на идее бездны. В сериях фильмов, сочетающих иллюзию, мистицизм и магию, Гусман + Паива показывают абсолютное недоверие к нашим перцептивным возможностям. Их временами сюрреалистическая «образность» основывается на сплетении ассоциаций, связанных с историей искусства, кинематографом и фотографией. Это не только является определенной рефлексией над какой-то идеей, но также и над техническим развитием фотографии и фильма как средств, приумноживших научные достижения.

Для PinchukArtCentre Гусман + Паива создали новый 16-мм фильм, который они демонстрируют в комбинации с более ранними лентами и со своей новой работой «камера обскура».

Р.Э.П., Украина

Р.Э.П. (Революционное Экспериментальное Пространство) был основан в 2004 г. С 2006 г. в группу входят шесть художников: Леся Хоменко, Никита Кадан, Жанна Кадырова, Ксения Гнилицкая, Лада Наконечная и Владимир Кузнецов. В том же году Р.Э.П. начал собственную кураторскую программу «Штаб». В 2008 г. был создан «Худсовет» - кураторский коллектив, основанный на принципе междисциплинарного взаимодействия. Персональные выставки прошли в PinchukArtCentre, Киев (2008) и Kunstraum, Мюнхен (2010). Р.Э.П. участвовал в групповых выставках в Kunsthalle, Вена (2005), 52-й Венецианской биеннале (2007) и White Box, Нью-Йорк (2010).

Определяющей для группы Р.Э.П. является их социальная активность, которая выражается в критическом художественном и интеллектуальном дискурсе. Они используют видео, инсталляции и перформансы для размышлений об украинском социо-культурном и политическом контексте. Р.Э.П. работает во все еще неопределенном социальном пространстве, которое находится в процессе развития и поиска собственной украинской культурной идентичности и, одновременно, стремиться к западным ценностям и структурам. С юмором и иронией Р.Э.П. исследует специфические культурные и архитектурные тренды в Украине, появляющиеся в результате своеобразного трения между западным и национальным культурными контекстами.

Продолжая идею проекта «Евроремонт», Р.Э.П. создает для PinchukArtCentre новую инсталляцию, которая показывает средства, посредством которых постсоветское пространство трансформируется в то, что, со старой советской точки зрения, выглядит как западный стиль.